Tiziana Conti (EN)
November, 2023

The historicization of truth takes place in the work,
opening up to the marvellous, overturning the ordinary
Martin Heidegger (Off the Beaten Track)

This thought by Martin Heidegger leads to profound reflection. The marvellous is knowing how to focus on the play of forces that regulates that which exists. Overturning the ordinary means taking a conscious look at reality, eluding what Peter Halley defines as the “frozen façade” that grips existence in a vice, preventing any attempt at process.
VRC’s research is framed in light of these considerations. For her, sculpture represents a form of investigation that penetrates the deepest folds of reality, it is the medium capable of involving and modifying provisional balances: the unifying thread lies in identifying a constant adaptation between the self and the world. In her formative experience, various elements converge to create a cohesive experiential fabric: the tension of Calder’s sculpture, played between stability and movement, the emotional control suggested by martial arts, the imagery of surreality, the fascination of music. This multiplicity of elements, always reworked in the light of a profound interiority, ascribes a problematic, dialectical character to the work: relativity takes on a much more fundamental significance than certainty.
Jean Baudrillard states that existence pays a very high price for the domination of rituals, it takes place in a tumult without any apparent cohesion. Eluding object reification means understanding the mutability of existence, its precariousness, developing dynamics capable of revealing continuous adaptation to provisional states of being. Emphasizing the importance of doubt.
The unitary thread of VRC’s research is determined precisely by the desire to escape from a closed universe, to enrich the language through tensions aimed at recovering harmony: Stabiles and Mobiles are complementary ideas, in the symbiosis of measurement and movement, which establish a dynamic relationship with space by placing itself in the full and current temporal dimension of Walter Benjamin’s now-time (Jetztzeit). Sculpture assimilates the contradictions and metamorphoses of existence so as to allude to something other than itself. The comparison between object and space enhances perceptive tensions, in an attempt to inhabit reality.
It seems essential to me to emphasize that music gives sculpture its internal rhythm and becomes its inescapable background. It enhances perception, it is the purest epiphany of the movement of the universe, according to Friedrich Schelling. Sound is also a rebound, a recall. VRC’s sculptures are vibrant, they have the capacity to pick up echoes, imperceptible correspondences.
In this play the material used in the work takes on a fundamental role: the artist uses multiple materials, never separately, always in constant dialogue, sometimes apparently impossible combinations: copper, brass, aluminium, lead, zinc, enamel, clay, sea pebbles, limestone are not inert matter, they interact with the idea, indeed they make it exemplary.

The exhibition in which VRC presents her recent works is entitled Daybreak. The title is highly allusive, describing as it does the coming of light, thus putting an end to the night, highlighting an eternal creation in which nocturnal visions, dreams and fancies seem to materialize, opening up new horizons. The two groups of sculptures proposed share a common element in their ability to suggest a microcosm that incorporates fragments of reality, reveals and renews traces of experience, distances itself from rhetoric, opening up to a new flow of relationships. The group of works entitled The way in proposes a complex dialogue between two hard materials, metal and stone, which seek interpenetration without harshness, without vulnus: the stone is not scored, the metal is neither marked nor scratched. There is therefore the possibility to establish a profound relationship that, deriving from intuition, can also be transferred metaphorically to life: “the way in”, as VRC states, marks “an initiatory path and opens a discussion around inclusion/exclusion”. The other group of sculptures, the “little theatres”, as the artist defines them, recall “settings” where the most heterogeneous situations, always evocative, suggest narratives, memories, even autobiographical ones, fragments of life. Some examples: in Little theatre for Edward James the well-known British collector and poet evokes surrealist suggestions emphasized by the presence in the foreground of Salvador Dalì’s famous “lips”. Fine, soft brass threads create a loose, yet inescapable bond between the figures of The pace of the giants. Transitoriness and, therefore, the continuous transformation of the existent are the fulcrum of Metamorphosis: three zinc walls, two patinated by rainwater, one gleaming, reveal inexhaustible transitions of state. Post Nubila Phoebus, an autobiographical work, is made up of three suspended silhouettes that suggest the family triad: two are full, the third is a light “profile” that ideally connects them, highlighting the contrast between empty and full.
The consistency of the works on display is not episodic, but rather paradigmatic. The “questions of equilibrium” alluded to in the title of my reflections therefore concern the need to move, to encourage creativity, going beyond what “happened a little while ago”. To question that which exists.

Article from the catalogue accompanying the exhibition DAYBREAK, Camilla Grimaldi Gallery, Rome, 14 December 2023 – 8 March 2024


Paul Harper (EN)
November, 2023

Let us therefore pay no further heed to the abstract objections of philosophers and go instead with poets and dreamers to the interior of a few objects. (Bachelard, 2011, p.9)

Viviana Rossi-Caffell’s sculptures are characterised by a distinctive material sensibility. They play with formal sculptural properties as well as with movement and spatial relation between the parts. Sometimes they take the form of delicate mobiles, elegant, poised, often with a streak of surrealist humour. At other times they can resemble stage sets, tableau in which objects stand in dynamic relation to each other.

Flat planes of sheet metal intersect or slot together to form simple freestanding arrangements, interlaid so that they partially reveal and partially obscure each other. Like theatrical backdrops, they create an illusion of depth. The stage is delineated, but these sculptures resonate beyond themselves – they are all potential. If these are theatrical devices then we, the audience, are not being invited to passively watch the action unfold, but to make an imaginative leap, to bring our selves to the stage, to animate these scenes ourselves.

The theatricality of these works is a less explicit but persistent reference in the most recent pieces. They still demonstrate certain elements of performance: the framing and relational placing of objects; a sense of suspended action; the play of indefinite scale; the balance and grace of the dance – but these pieces are less like assemblages, they have a more assertive sculptural quality, which is to do with orientation and articulation, and a profound attention to materiality.

They have an exact but asymmetrical geometry – structures that, for all their clean formality, contain an imminent potential for disorder. In one collection of pieces the precision of the metal plate sits alongside, and in contrast to, large stone pebbles, rendered to a different kind of smooth perfection by the action of the sea. The stones have another type of imminence: their roundness suggests fecundity, a dynamic state of heavy ripeness that stirs our material imagination to picture a rupture in the surface, to consider the inside. What lies beneath the skin? What does the surface reveal about the intimate interior? The desire to open up and see into these solid objects is further provoked by the way that the brass plate, cut to follow the contours of the stone, gives an illusion of having made a surgical incision. A sense of division and structure is further enhanced by the way that the polished metal mirrors the stone. The blade slices through it whilst remaking it as a whole object. As well as this ‘image of interiority’ the reflections remind the viewer of the three dimensionality of the sculpture.

Where the work most clearly evokes theatrical space, as in Metamorphosis and Post Nubila Phoebus, the framing seems allusive, vestigial. Content, drama and narrative are not absent, but more purely visual values such as form and material, colour and spatial arrangement are especially striking. In Metamorphosis, for instance, corroded metal suggests a proscenium arch and a backdrop of waves. A mis-en-scene is clearly established, but what draws the eye is the synergy between the upswept serif at the end of the partly defined proscenium and the crests of the waves, and the extraordinary resonance between the colour and texture of the zinc and a flawlessly rounded stone in the middle-ground.

All of these pieces invite the viewer to imagine looking from all angles – and this brings into play mobile and unstable relationships between different aspects of the work, between the inside and outside, front and back, the foreground, middle and background, and between one part and another. Instead of being a selection of isolated elements, the sculpture becomes a coherent, but volatile, whole – a collage in which every part interacts with everything else.


Gaston Bachelard (2011) Earth and Reveries of Repose: an essay on images of interiority. Trans. Mary McAllester Jones. Dallas, Dallas Institute Publications

Article from the catalogue accompanying the exhibition DAYBREAK, Camilla Grimaldi Gallery, Rome, 14 December 2023 – 8 March 2024


Tiziana Conti (IT)
November, 2023

Nell’opera si attua lo storicizzarsi della verità,
aprendo al prodigioso, rovesciando l’ordinario
Martin Heidegger (Sentieri interrotti)

Questo pensiero di Martin Heidegger induce a una riflessione profonda. Il prodigioso è il sapersi focalizzare sul gioco di forze che regola l’esistente. Rovesciare l’ordinario significa gettare uno sguardo consapevole sulla realtà sottraendosi a quella che Peter Halley definisce la “facciata congelata” che serra l’esistenza in una morsa impedendo qualsiasi tentativo processuale.

La ricerca di VRC si inquadra alla luce di queste considerazioni. La scultura rappresenta per lei una forma di investigazione che si insinua tra le pieghe più profonde della realtà, è il mezzo atto a coinvolgere e a modificare equilibri provvisori: il filo unitario sta nell’individuare un costante adattamento tra l’io e il mondo. Nella sua esperienza formativa confluiscono diversi elementi a creare un tessuto esperienziale coeso: la tensione della scultura di Calder, giocata tra stabilità e movimento, il controllo emozionale suggerito dalle arti marziali, l’immaginario della surrealtà, la fascinazione della musica. Questa molteplicità di elementi, sempre rielaborati alla luce di una interiorità profonda, ascrive al lavoro un carattere problematico, dialettico: la relatività assume un significato ben più fondante della certezza.

Jean Baudrillard afferma che l’esistenza paga un prezzo molto alto al dominio dei rituali, si svolge in un tumulto senza coesione apparente. Sottrarsi alla reificazione oggettuale significa comprendere la mutevolezza dell’esistenza, la sua precarietà, elaborando dinamiche capaci di palesare l’adattamento continuo agli stati provvisori dell’essere. Sottolineando l’importanza del dubbio.

Il filo unitario della ricerca di VRC è determinato proprio dalla volontà di uscire da un universo chiuso, di arricchire il linguaggio attraverso tensioni volte a recuperare armonia: Stabiles e Mobiles sono ideazioni complementari, nella simbiosi di misura e movimento, che instaurano con lo spazio un rapporto dinamico collocandosi nella dimensione temporale piena e attuale del tempo-ora (Jetztzeit) di benjaminiana memoria. La scultura assimila le contraddizioni e le metamorfosi dell’esistente così da alludere ad altro da sé. Il confronto tra oggetto e spazio esalta le tensioni percettive, nel tentativo di abitare la realtà.

Mi sembra essenziale porre in evidenza che la musica conferisce alla scultura il ritmo interiore e ne diventa il sottofondo ineludibile. Essa esalta la percezione, è la più pura epifania del movimento dell’universo, secondo l’affermazione di Friedrich Schelling. Il suono è altresì rimbalzo, richiamo. Le sculture di VRC sono vibranti, dispongono alla capacità di captare echi, corrispondenze impercettibili.

In questo gioco delle parti il materiale di lavoro assume un ruolo fondamentale: l’artista utilizza molteplici materiali, mai separatamente, sempre in dialogo costante, talora all’apparenza impossibile, tra loro: rame, ottone, alluminio, piombo, zinco, smalto, argilla, pietra marina, pietra calcarea, non sono materia inerte, interagiscono con l’idea, anzi la rendono esemplare.

Si intitola Daybreak la mostra nella quale VRC presenta i lavori recenti. Il titolo è fortemente allusivo. La parola indica l’irrompere del giorno, dunque l’avvento della luce a chiudere la notturnità, ponendo in primo piano una eterna creazione nella quale le visioni notturne, i sogni, le immaginazioni sembrano concretizzarsi schiudendo nuovi orizzonti. I due gruppi di sculture proposti trovano un elemento comune nella capacità di suggerire un microcosmo che ingloba frammenti di realtà, palesa e rinnova tracce di vissuto, prende le distanze dalla retorica aprendo a un nuovo flusso di relazioni. Il gruppo di lavori intitolato The way in propone un dialogo complesso tra due materiali duri, il metallo e la pietra, che cercano una compenetrazione senza asprezze, senza vulnus: la pietra non è scalfita, il metallo non è segnato né graffiato. Esiste dunque la possibilità di instaurare una relazione profonda che derivando dall’intuizione si possa trasferire anche metaforicamente alla vita: “the way in” come afferma VRC segna “un percorso iniziatico e apre un discorso intorno all’inclusione/esclusione”. L’altro gruppo di sculture, i “teatrini”, come li definisce l’artista, richiama “scenari” dove agiscono le situazioni più eterogenee, sempre evocative, a suggerire narrazioni, memorie, anche autobiografiche, frammenti di vita. Alcuni esempi: in Little theatre for Edward James il noto collezionista e poeta britannico richiama suggestioni surrealiste enfatizzate dalla presenza in primo piano delle celebri “labbra” ideate da Salvador Dalì. Fili sottili e morbidi di ottone creano un legame libero, eppure ineludibile, tra le figure di The pace of the giants. La provvisorietà e, dunque, la continua trasformazione dell’esistente sono il fulcro di Metamorphosis: tre pareti di zinco, due dilavate dall’acqua, una risplendente, palesano inesauribili passaggi di stato. Post Nubila Phoebus, lavoro autobiografico, è costituito da tre sagome sospese che suggeriscono la triade familiare: due sono piene, la terza è un “profilo” leggero che le collega  idealmente evidenziando il contrasto tra vuoto e pieno.

La consistenza dei lavori in mostra non è episodica, quanto piuttosto paradigmatica. Le “questioni di equilibrio” cui allude il titolo delle mie riflessioni riguardano dunque la necessità di muoversi, di sollecitare la creatività, andando oltre quello “che è successo poco fa”. Per interrogare l’esistente.

Article from the catalogue accompanying the exhibition DAYBREAK, Camilla Grimaldi Gallery, Rome, 14 December 2023 – 8 March 2024


Paul Harper (EN)
September, 2022

These our actors, 
As I foretold you, were all spirits and 
Are melted into air, into thin air…
William Shakespeare, The Tempest

Sculptor, Viviana Rossi-Caffell, and painter, Nick Phillips, will be presenting a joint exhibition of recent work at the Nutshell Studios in Nailsworth, entitled Midnight Spelunking. The word ‘spelunking’ comes from caving or pot-holing and suggests the excavation of an imaginative point where their divergent material practices and artistic strategies come together. Viviana’s sculptural works resemble stage sets, tableau in which objects stand in dynamic relation to each other, whilst Nick’s mysterious paintings are composed with spatial dimensions that, along with a sense of movement and the illusion of mobile relation, also evoke the energy and symbolic possibilities of theatrical space.

Many of Viviana’s earlier works were constructed from intersecting flat planes of sheet metal, patinated, brushed or polished, sometimes incorporating found objects, tangles of wire or stone. Sometimes they took the form of delicate mobiles, elegant, poised and often with a distinctive streak of absurdist humour. These works have a particular material sensibility and play with formal sculptural properties as well as movement and spatial relation between the parts. Other works emphasise aspects of surrealism – sculpture with a more explicit, dream-like allegorical or narrative content.

This latter quality is very much to the fore in the new work that she will be showing at the Nutshell Studios. Developed following a residency at West Dean, a unique art school founded by Edward James, an influential patron of Surrealism, this work pays homage to his vision and his collection. The flat planes that were a feature of her sculpture now take the form of screens, like theatrical backdrops, interlaid so that they partially reveal and partially obscure each other, giving more complexity to the arrangement of shapes. In one piece the metal plate is replaced with dictionaries: colour, texture and text accentuate the visual poetry of her work. These pieces are arranged on stage-like platforms. Others, which she calls ‘Birdcages’, have objects placed inside boxes that remind me of the extraordinary work of American surrealist Joseph Cornell. Both platforms and boxes suggest containment. They are like stages, where the drama is contained but a wider field of action is implied.

All of the work is somehow evocative of performance, of a dance. These are stages on which the event is imminent. These are settings, everything in precarious balance, the tense moment before the drama begins.


Article for Good On Paper accompanying the exhibition MIDNIGHT SPELUNKING, The Nutshell Studios, Nailsworth, 23 September – 22 October 2022


Tiziana Conti (IT)
May, 2021

Scultura, spazio e tempo: la scultura vive in un rapporto interlocutorio con questi due elementi. Il tempo non è “omogeneo e vuoto”, è “attuale”, una costellazione di momenti autentici. Nello spazio la scultura dispiega energia, dilatandosi dall’uniformità alla possibilità, dalla continuità al mutamento, esaltando le tensioni percettive.
La scultura di VRC nasce dall’elaborazione di dinamiche giocate tra interno ed esterno, e trae la sua forza dall’adattamento graduale a stati mutevoli e provvisori che implicano un costante riadeguamento del registro linguistico. Mobiles e Stabiles sono complementari, danno vita a situazioni indisgiungibili. Stabile non è sinonimo di fissità, quanto piuttosto di misura, di un’armonia che scaturisce anche da dissonanze. Mobile implica il movimento, l’onda percettiva, laddove gioca un ruolo non subalterno la musicalità, il “suono delle cose”, per dirla con John Cage, che rivela il movimento dell’universo. L’auspicato Bezug che Rilke evoca nelle Elegie.
Non è episodica la scultura di VRC, è un momento processuale. Se si esamina il lavoro dalle origini non si può non individuare un filo unitario che palesa una storia coerente. E qui il discorso si sposta necessariamente anche ai titoli dei lavori, che sono parte integrante dell’elaborazione, sempre allusivi. Alcuni esempi: Nuvole, 2017 e Golfingers variations, 2019 accennano al cangiamento, talora minimale, Selfportrait, 2020 evidenzia nell’intrico di fili i percorsi sinuosi della mente, Travel pillow for the immortal, 2021 suggerisce la dinamica del viaggio. Quindi dello spostamento. Le carte, quali Untitled series, 2011 o To cleare my voice, 2020 non sono un “accessorio”, sono parte integrante della progettualità nella quale la “serie” diventa articolazione di molteplici variabili.
Il lavoro appare dunque un work in progress, un teatro di epifanie mentali e percettive che include realtà trasversali centrate su costellazioni imprevedibili perché mutevoli nella sostanza. Reattive. Metamorfiche.
In un infinito presente.


Massimo Giusio (IT)
February, 2004

C’è un’artista torinese, ventunenne, che, ne siamo certi, farà molto parlare di sé. Tra i tanti pittori dell’ultimissima generazione che pure già affollano il panorama artistico della metropoli subalpina, Viviana offre una vivace e lucida personalità con tratti stilistici del tutto peculiari ed inediti. Un’individuale e specialissimo modo di porsi, con una pluralità di strumenti espressivi e di materiali utilizzati (dall’acquaforte all’acquarello, dal tessuto alla foglia dorata su carta, dal legno alla fotografia) che è anche il frutto di una precoce ma ricca stagione di apprendimento, affinata dal potente impianto didattico del maestro incisore Bortolo Bortolaso – straordinario artista veneto che ha collaborato anche con Guttuso, Fontana e Mastroianni – e con cui Viviana ha imparato e lavorato. Nel nuovo e originale spazio espressivo del “Borgo” di via Monferrato, la Rossi raccoglie e presenta al pubblico fino al 6 marzo ben 26 opere, frutto degli ultimi tre anni della sua produzione, iniziata per la verità prestissimo, già a 15 anni. Una sintesi, quella presentata ai visitatori, che lei definisce “Mista, sperimentale, indecisa”. Tre aggettivi che con ottima capacità di sintesi ed una elegante discrezione, tutta torinese, esemplificano i tratti distintivi della mostra, un “percorso – discorso” che offre senz’ombra di dubbio eccellenti caratteristiche formali e compositive. La solida base culturale familiare, i vigorosi incoraggiamenti dei genitori, grandi appassionati d’arte, hanno rappresentato i presupposti che hanno avvicinato all’espressione creativa Viviana sin dall’adolescenza: una grande capacità di apprendimento e la voglia di comunicare e di esprimersi, uniti ad un innegabile e precocissimo talento, hanno fatto il resto. Klimt e Klee sono, certamente, i riferimenti stilistici e le concezioni spaziali e cromatiche cui la Rossi guarda con ammirata devozione. Lo si nota, con evidente immediatezza, nelle sue opere più recenti, di cui offriamo qualche significativa immagine. Ma nella molteplicità delle tecniche e dei materiali e nella valorizzazione delle loro possibilità espressive, nella sintesi tra consapevolezza e spontaneità si individua la cifra stilistica individuale della giovane torinese. Acqueforti di calda tonalità come “Fiore”, opere con materiali misti dai calibrati rapporti cromatici, una serie di fotografie, legate da “un’atmosfera rarefatta e statica”, frutto dei viaggi di Viviana in Cina, Senegal e Cuba, ma anche un trittico che ha quale dichiarata finalità una precisa denuncia degli eccessi logoranti delle gigantesche e spaesanti mostre-mercato d’arte contemporanea torinesi, sono i tasselli originali ed accattivanti del mondo espressivo dell’artista. Inoltre, una suggestiva fotografia che lei definisce la sua opera più “autobiografica”, con la sua tazzina di caffè dai contorni sapientemente sfuocati, che evoca i simbolismi inconsci della ritualità quotidiana. Ecletticità e pluralità espressive vissute non come finalizzate “ad un obiettivo preciso”, come insiste nel sottolineare Viviana, ma, ci pare, saldamente ancorate alle angolazioni differenziate con cui si pone di fronte al “fare artistico” con un atteggiamento di continua ed incessante sperimentazione. Comunicare, interpretare, esprimersi: questi i denominatori comuni delle opere della giovanissima artista torinese, che unisce una già matura padronanza tecnica e materiale a contorni di sicura inventiva e sensibilità ma anche di solida impostazione anticonvenzionalistica. Una personalità ed un tratto compositivo già efficaci ed essenziali, ed un’artista da seguire con interesse e curiosità nella sua evoluzione creativa ed espressiva.

Article accompanying the exhibition IL PERCORSO O LA META?, Galleria Il Borgo, Torino, 20 February – 6 March 2004